Ce Guide De Peinture Par Numéros De Lorena Kloosterboer Vous Apprend à Peindre Une Nature Morte Photoréaliste En Utilisant Des Glacis Subtils Aux Couleurs Pures.
Quand j’étais adolescent, la peinture à l’huile était mon premier amour. Ensuite, j’ai appris à me fondre sans hâte. Il y a 15 ans, j’ai commencé à peindre à l’huile et j’ai appris à mélanger les couleurs et à créer des dégradés subtils. Ce guide vous guidera à travers plusieurs techniques que j’utilise pour surmonter les limites des acryliques à séchage rapide.
Au lieu d’utiliser des acryliques ouverts ou des retardateurs, je préfère utiliser une quantité minimale de médiums pour diluer les acryliques à une consistance douce qui permet plusieurs couches. Pour créer des mélanges optiques, je préfère utiliser des couleurs pré-mélangées directement sorties du tube. Je les superpose dans des émaux transparents ou translucides pour obtenir les bonnes valeurs. Par exemple, je pourrais utiliser un glacis rouge vif et l’atténuer avec un glacis brun.
Je garde une petite bouteille d’eau et Flow Improver dans un récipient en plastique à côté de ma palette. Je l’utilise avec du Gloss Medium pour diluer l’acrylique afin de le rendre transparent et fluide. L’intégrité de la surface de la peinture sera compromise si les acryliques sont dilués uniquement avec de l’eau. Le Gloss Medium, qui est essentiellement de la peinture acrylique sans couleur, est un polymère acrylique. Cependant, il retient mieux les pigments. Il est blanc laiteux lorsqu’il est mouillé, mais s’éclaircit complètement une fois sec.
Parce que la peinture est transparente, la lumière peut filtrer à travers les couches, les rendant plus profondes et plus intenses. Cela implique de construire la peinture lentement, puis d’ajuster chaque couche avec une poussée et une traction. Cela me permet d’ajuster facilement la couleur et la valeur sans avoir à me précipiter. Je sais que je peux corriger et peaufiner la peinture autant de fois que nécessaire.
Guide Pour Peindre Une Nature Morte Photoréaliste
Matériaux Lorenas
- Pinceaux – Winsor & Newton Sceptre Gold II 101 pinceaux ronds dans les tailles 000 et 1 ; Pinceaux Daler-Rowney System 3 SY67 filbert, taille 4 ; Pinceau plat Creative Mark Pole Flo Wash-Mate 5cm
- Support Un panneau de bois de 20x20cm apprêté avec deux couches de gesso blanc, puis poncé humide
- Médiums, Galeria Gloss Medium et Flow Improver, tous Winsor & Newton
- Peintures : Noir, Sienne brûlée et Terre d’ombre brûlée ; Jaune de Cadmium Foncé; Bleu cobalt; gris neutre 5 ; Van Dyke Brown; vert viridien, abricot ; bleu brillant ; Paynes Gray, Raspberry, tous les acryliques Liquitex Soft Body; bleu grisâtre ; Rose quinacridone, tous deux Royal Talens Amsterdam Standardacryls; Terre cuite pâle et acrylique Winsor & Newton Galeria
- Colle acrylique blanche
- Portemine
- Papier calque graphite
- Bourgeons de coton
- Une éponge
1. Votre Image Peut être Tracée
Ma composition étant trop complexe pour être dessinée à la main, j’ai scotché ma photo de référence sur le support. Ensuite, je l’ai tracé méticuleusement à l’aide de graphite et d’un crayon mécanique.
J’ai mélangé un peu de gesso et d’eau jusqu’à obtenir une consistance laiteuse. Ensuite, j’ai appliqué le gesso rapidement et légèrement sur les traits de crayon avec un pinceau large et plat. Cela permettra non seulement de fixer le graphite pour s’assurer qu’il ne déteint pas ou ne trouble pas les couleurs, mais également d’éclaircir et d’adoucir les lignes.
J’ai utilisé Apricot et le pinceau filbert 4 pour créer la couleur de fond. Une fois le fond sec, j’ai appliqué Titanium White à une extrémité, puis j’ai utilisé des coups de pinceau sec (pinceaux doux avec très peu de peinture) pour créer une transition en douceur vers l’abricot.
2. Colorier Par Numéros
J’ai utilisé un pinceau rond de 1 pouce pour remplir les formes avec des couleurs translucides. Cette phase m’a rappelé les livres de coloriage de mon enfance. La Terre de Sienne brûlée a été utilisée pour fabriquer les petites brindilles de l’assiette. Viridian Green a été utilisé pour les feuilles et Venetian Rose et Pale Terracotta ont été utilisés pour certains des pétales de fleurs. Le centre de la plaque a été légèrement brossé avec du titane non blanchi. Au lieu de recouvrir complètement la plaque, je préfère appliquer de fines couches une par une jusqu’à obtenir un fini plat et uniforme.
3. Assombrir Vos Tons
Le bleu cobalt, le bleu grisâtre et d’autres couleurs ont été ajoutés aux feuilles et aux fleurs. J’ai utilisé le pinceau taille 000 pour appliquer Bone Black sur certains motifs ainsi que pour définir les formes au centre de la plaque. Bone Black hautement dilué a également été appliqué sur les zones les plus sombres du bord doré et de la poignée de la cruche pour commencer à créer une tridimensionnalité.
4. Imitez La Céramique
Le pichet et la base de l’assiette ont été remplis de Brilliant Blue et Bone Black, en veillant à peindre autour des formes. Pour éviter les erreurs, j’ai utilisé des boules de coton humidifiées pour garder les formes et les lignes propres.
Pour créer une transition de type aquarelle, les fleurs centrales ont été peintes avec du bleu de cobalt dans une solution hautement diluée. Cela imite l’apparence de l’objet en céramique.
5. Commencez à Superposer La Couleur
Une fois la surface extérieure recouverte, il était temps de superposer les couleurs afin de transformer les valeurs et d’approfondir la saturation des couleurs. Pour renforcer et approfondir certains roses, Framboise a été ajouté. Burnt Umber a été utilisé pour l’échauffement des zones noires. Van Dyke Brown a été utilisé pour les formes les plus sombres. Une glaçure de jaune de cadmium foncé a été brossée sur le dessus. J’ai aussi peint autour des reflets.
6. Dessinez Les Formes
Pour peindre le contour des formes sur l’assiette, j’ai utilisé Neutral Grey 5, imitant l’aspect faux-cloisonné. Pour donner l’illusion de profondeur, j’ai ajouté un glacis de Blanc de Titane et créé des reflets dans certaines zones. La peinture acrylique blanche peut souvent s’enfoncer. Elle apparaît brillante et opaque après application, mais devient plus claire une fois sèche. Pour m’assurer que les reflets ressortent vraiment, j’ai appliqué plusieurs couches (parfois jusqu’à 10) de blanc de titane à pleine puissance non dilué sur chaque zone.
7. Enrichir Les Couleurs
Pour augmenter la profondeur et la force de la chrominance, j’ai ajouté de la couleur aux zones existantes. Cela était évident dans les formes bleues et noires de la plaque, ainsi que dans le fond bleu brillant. Vous remarquerez que je n’ai pas couvert tous les domaines. J’ai décidé de laisser certains bords non peints afin que des nuances plus claires de la même couleur puissent être vues. J’ai également renforcé et ajouté des détails blancs en essayant d’améliorer la texture des argiles brillantes et de leur donner un aspect de bas-relief.
8. Jouez Avec Les Ombres
Le même bleu brillant a été utilisé pour peindre l’intérieur de la cruche. Cela a été fait en couvrant d’abord toute la zone avec une couleur translucide. Pour reproduire le jeu d’ombres, j’ai ajouté des glacis de Brilliant Blue assombris avec juste un peu de Paynes Grey. Une zone près du bord de la glaçure céramique qui était plus sombre a reçu du blanc de titane.
J’ai également légèrement poli certaines zones avec du blanc de titane et utilisé des coups de pinceau sec à l’aide du pinceau filbert pour des reflets et un éclat subtils.
9. Ajouter De La Profondeur
Une fois la peinture sèche, je recouvre toute la surface de Gloss Medium. Ce revêtement protecteur me permet de glacer une fois sec. Je n’ai pas à m’inquiéter de faire des erreurs, car je peux rapidement essuyer la peinture avec une éponge.
Liquitex Paynes Grey est ma couleur préférée pour peindre les ombres. Ce n’est pas aussi bleuâtre que les autres marques. J’ai recouvert la cruche d’une glaçure de cette couleur (à l’exception de la poignée et du bord doré) pour réduire son éclat et lui donner une forme tridimensionnelle. Vous pouvez le faire à main levée ou avec un coton-tige pour corriger les erreurs.
10. N’oubliez Pas Que Moins C’est Plus
Le processus a été répété avec la plaque. J’ai ajouté une ombre de courbe subtile pour la rendre plus sombre plus près de la cruche. Une zone plus sombre a été ajoutée au bas de ma peinture, donnant à la plaque l’aspect concavité.
Il est important de se rappeler la règle du moins c’est plus lorsque l’on peint des ombres. Pour approfondir la valeur d’un glacis, vous pouvez lui ajouter un autre glacis. Vous devez être prudent et ne pas trop sombrer.
11. Affiner Les Détails
Une fois que je suis satisfait du glacis des zones d’ombre, il est temps d’affiner les détails. J’assombris et approfondis certaines couleurs, j’ajoute un glacis blanc sur la partie sombre pour simuler un éclat réfléchissant, puis je renforce tous les reflets avec plusieurs couches de blanc de titane. La touche finale consiste à ajouter ma signature à la peinture et à la laisser sécher pendant 48 heures.
12. Touches Finales
La peinture acrylique est séchée par évaporation. Il a l’air lisse mais possède de nombreux pores minuscules qui attirent la poussière et d’autres polluants atmosphériques au fil du temps. Mes tableaux sont toujours vernis avec un vernis amovible résistant aux UV. Le vernis peut également être utilisé pour unifier la surface du tableau, selon que l’artiste choisit de lui donner un aspect brillant, mat ou satiné.
J’applique une seconde couche de Gloss Medium avant de vernir la surface. Celui-ci agit comme une barrière entre le vernis et la surface peinte. Il protège la peinture en dessous d’être enlevé.
